[Animexico] Ukiyo-e y el legado del arte japonés

Sun Sep 23 22:50:25 CDT 2001

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EL TIEMPO - EN LA LUIS ÁNGEL ARANGO
Ukiyo-e y el legado del arte japonés

Por MIGUEL URRUTIA MONTOYA

Edo, la actual Tokio, era la ciudad más grande del mundo en el siglo 
XVII. La capital política de Japón se trasladó de Kioto al llegar al 
poder la dinastía Tokuyawa, a principios del siglo XVII, y en ese centro 
político, comercial y cultural se creó una importante clase media que 
desarrolló un gusto por grabados que recordaban el Ukiyo, el "mundo 
flotante" que proveía la diversión y el esparcimiento de esa sociedad 
urbana. Ukiyo es un concepto budista que refleja la tristeza y la 
naturaleza transitoria del mundo material, pero en la sociedad de Edo se 
refería al mundo de placer, casas de te, geishas, actores, y al mundo 
del espectáculo.

Los grabados se hacían en planchas de madera, cada plancha utilizada 
para uno o dos colores. Los primeros ukiyo-e aparecieron a mediados del 
siglo XVII. Eran imágenes monocromáticas, aunque desde 1710 a veces se 
coloreaban a mano. A partir de la segunda mitad del siglo XVIII, en que 
se desarrolló el grabado en color, las obras más elaboradas se hacían 
hasta con doce planchas. El artista realizaba la composición y 
grabadores especializados las planchas. Las obras, en tirajes 
cuantiosos, eran asequibles para un gran público. (Isoda Koryusai 
produjo la primera serie con más de cien copias de la misma plancha en 
1780-81).

En 1659 la zona de tolerancia, el tema por excelencia de los ukiyo-e, se 
trasladó del centro de Edo a Asakusa, y los grabados se concentraban en 
mostrar la vida de ese barrio. Los temas tratados en un principio fueron 
retratos de actores de kabuki (yakusha-e) o escenas de teatro, retratos 
de cortesanas o bellezas burguesas (bijin-ga), escenas de fiestas en 
casas de té o burdeles y escenas eróticas (shunga). En el siglo XIX 
Hiroshige y Hokusai produjeron paisajes con un tratamiento moderno y 
popular derivado de la tradición del ukiyo-e, y muy diferente a la 
tradición del paisaje tradicional y a la tradición de la pintura china.

En esta exposición se reúnen algunos ukiyo-e que se encuentran en 
colecciones particulares en Bogotá. La tradición del grabado en madera 
se mantiene viva en el Japón, y al final de la exposición se presentan 
algunos grabados de posguerra que muestran la continuidad de esta 
tradición.

Influencia en impresionistas

Whistler fue uno de los primeros artistas occidentales que estudiaron 
seriamente el arte japonés. En 1863 comenzó a coleccionar xilografías 
japonesas, y posteriormente pintó obras con motivos japoneses y realizó 
decoraciones al estilo japonés. El retrato que presenta Manet de Zola en 
el salón de 1868 tiene en su fondo un biombo japonés y un ukiyo-e de un 
samurái. En el Museo de Bellas Artes de Boston se puede ver un retrato 
de Monet de 1876 titulado La Japonaise, de su esposa vestida con un 
fastuoso kimono, y una colección de abanicos japoneses en la pared que 
sirve de fondo. Por otra parte, Monet tenía una colección de 231 
ukiyo-e, la cual se conserva casi completa en su casa de Givergny. 
También sobreviven colecciones de ukiyo-e de Van Gogh y Rodin. Pissarro 
también coleccionaba estampas japonesas en la misma época. En 1893, al 
salir de la exposición dedicada a Hiroshige y Utamaro en la Galería 
Durand-Ruel, Pissarro exclamó: "Hiroshige es un impresionista 
maravilloso. Yo, Manet y Rodin estamos entusiasmados". En el caso de 
Monet, lo que más le interesaba era la composición de la imagen del 
ukiyo-e. Monet coleccionaba imágenes partidas por un elemento oblicuo. 
Esto se observa en varias de las obras de Hiroshige en esta exposición. 
También en muchas estampas el objeto principal frecuentemente no está en 
el centro sino a los lados. El grabador Bracquemond, amigo de Degas, lo 
introdujo al arte de Hokusai. Éste último acabó coleccionando grabados 
de Hokusai, Hiroshige y Utamaro. El principal descubrimiento de Degas en 
estas obras fue la composición descentrada. Van Gogh, en 1888, 
interpreta una estampa de Hiroshige Utagawa, de 1857, de unos manzanos 
en flor. En 1887 Van Gogh ya había interpretado en óleo otra estampa de 
Hiroshige del puente Ohashi bajo la lluvia.

Otro aspecto de los grabados japoneses que atraía a los impresionistas 
es que tienden a mostrar el momento: una joven caminando contra el 
viento, o unos viajeros resguardándose de un aguacero inesperado. Tal 
vez el pintor más influido por los ukiyo-e fue Toulouse-Lautrec. Hacia 
1883 comenzó a coleccionar grabados y hacia 1890 ya estaba sirviéndose 
de las técnicas japonesas en sus afiches al utilizar trazos negros para 
sus figuras, rellenando este esbozo con áreas planas de colores fuertes. 
Tenía lógica usar esas técnicas para afiches y anuncios de piezas de 
teatro o espectáculos producidos en cantidad por las nuevas técnicas de 
la litografía. La influencia del ukiyo-e en Lautrec se ve hasta en la 
manera como firmaba sus obras. Diseñó un monograma (HTL) dentro de un 
círculo, parecido a los sellos utilizados como firma por los japoneses: 
también utilizó la técnica de retratos recortados en close-up. Por 
ejemplo, compárese su Mademoiselle Marcelle Lender, con La cortesana de 
Utamaro.

Bonnard y Vuillard, quienes también trabajaron para el teatro y 
produjeron anuncios y programas en litografía, se interesaron, 
igualmente, en las técnicas de ukiyo-e. Entre 1890 y 1892, estimulado 
por Maurice Denis y Pierre Bonnard, Édouard Vuillard asimila las 
lecciones de los ukiyo-e y colecciona esos grabados. Al igual que los 
maestros japoneses, su arte evita los volúmenes, enfatiza los aspectos 
decorativos y evita la individualización de las figuras. La pintura de 
los nabis se considera la última fase de la asimilación del arte japonés 
en Francia. Estos también utilizan los medios del arte japonés. Denis y 
Bonnard pintan biombos, abanicos y utilizan las medidas altas y 
estrechas del kakemono, lo cual los lleva a ejecutar figuras alargadas y 
contorsionadas dentro de estas dimensiones poco usuales (telas tres 
veces más altas que anchas).

Arte japonés y abstracción

Kandinsky, iniciador del arte abstracto, publicó una 'Carta desde 
Múnich' en la revista rusa Apollon (1909), en la cual describe sus 
impresiones de la exposición de arte japonés: Japan und Ostasien in der 
Kunst.
"Aquí uno encuentra paisajes de gran variedad y abstracción en el uso de 
forma y color, al servicio del sentimiento del ritmo, que es la 
expresión pura de un temperamento artístico único y pleno... [En 
Occidente] nos hemos alejado, por razones oscuras para nosotros, de lo 
interno hacia lo externo..." Según Hans Roethel, Kandinsky estaba 
aplicando varios aspectos técnicos de los ukiyo-e, hacia 1903, en sus 
propias xilografías. Pero el interés de Kandinsky en el arte japonés fue 
muy diferente al de los impresionistas y posimpresionistas y lo llevó 
hacia la abstracción o lo confirmó en esa tendencia.

En Estados Unidos, a mediados del siglo XX, algunos artistas estudiaron 
la filosofía y el arte zen. Mark Tobey vivió un mes en un monasterio zen 
en 1935, y posteriormente sostuvo que sólo supo lo que era la pintura 
después de su estadía en Japón. Para Tobey, al igual que en la filosofía 
zen, sentir era más importante que ver. En 1914 Georgia O´Keefe comenzó 
a experimentar en la técnica sumi-e, pinceles y tinta, y hay obras 
abstractas de 1916 en esa técnica. El grupo de artistas amigos de 
Stieglitz y que fueron el centro del avant-garde de Nueva York se 
interesaron en el ukiyo-e, y Stieglitz, al parecer, estaba especialmente 
fascinado por la estética japonesa de simplicidad, abstracción, espacios 
vacíos evocadores y formatos verticales. Varias obras de Max Weber, 
Arthur Dove y John Marin muestran influencias japonesas. Franz Kline 
también coleccionó ukiyo-e y su obra tiene aspectos comunes con algunos 
aspectos formales del ukiyo-e y la caligrafía japonesa.
Ad Rheinhardt enseñaba arte japonés, chino e hindú en el Brooklyn 
College. En 1916, en Art News, escribió que la pintura zen es "uno de 
los más grandes logros en el arte y la historia". Para Rheinhardt, al 
igual que en la filosofía zen, pintar era meditación y contemplación. No 
es tanto que el zen formará a estos artistas sino que estos encontraron 
que las teorías que habían desarrollado coincidían con aspectos de la 
filosofía zen.

En Francia, artistas como Hans Hartung, Pierre Soulages (véase la 
litografía de Soulages en esta exposición), Gerard Schneider, René 
Laubiés, Wols, Jean Degottex y Pierre Alechinsky produjeron en los 
cincuenta obras que tenían similitudes con la caligrafía japonesa. 
Alechinsky viajó a Japón, y también Yves Klein. Malraux, al final de los 
veinte, escribió que Miró y André Masson sin duda habían sido 
influenciados por el dibujo y la caligrafía japoneses. Masson estudió 
zen seriamente. Sam Francis también visitó a Japón, y su obra tiene 
algunas de las características formales del sumi-e.

La primera obra de esta sección titulada Todo (nada), está inscrita la 
tradición de la pintura zen. El énfasis radica en el gesto, en la 
pincelada. La segunda obra se sirve de la técnica sumi-e. Lo interesante 
es la utilización del vacío, y de manchas, aspectos que tanto 
interesaron a los pintores occidentales abstractos. El arte abstracto de 
Occidente también influyó en los artistas japoneses. El paralelo entre 
la obra de Franz Kline y Hartung y las litografías de Toko Shinoda, en 
esta exposición, es muy diciente. Shinoda nace en 1913 en Manchuria, y 
se vuelve una experta calígrafa. De ahí, pasa al arte abstracto. 
Hagiwara también nace en 1913, y utiliza la técnica antigua del ukiyo-e 
para producir arte abstracto de gran interés. Está representado en las 
colecciones del Moma de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston y 
el Victoria and Albert Museum de Londres.

fuente: http://eltiempo.terra.com.co/23-09-2001/lect103880.html

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